El Museo del Prado: obras más importantes

La obra maestra de Velázquez y quizás el cuadro más analizado de la historia del arte. Representa a la infanta Margarita (de 5 años) rodeada de sus damas de compañía (meninas), un perro, dos enanos, un guardadamas y el propio Velázquez pintando un gran lienzo.

¿Qué la hace tan especial? La perspectiva y la mirada. ¿A quién está pintando Velázquez? En el fondo vemos un espejo con el reflejo de los reyes Felipe IV y Mariana de Austria. ¿Son ellos los modelos? ¿O somos nosotros los espectadores? El cuadro es un juego de espejos sobre la representación y la realidad. Además, la pincelada suelta de Velázquez era revolucionaria: de cerca solo ves manchas, de lejos crean una imagen perfecta.

Dónde está: Sala 012. Es la estrella indiscutible. Prepárate para hacer cola (aunque los fines de semana es bestial, ve entre semana por la tarde).

El cuadro más extraño, fascinante y misterioso de todo el Prado. Es un tríptico (tres tablas) que se cierra y abre. Cuando está cerrado, ves la Creación del Mundo en grisalla (tonos grises). Cuando lo abres, explota el color y las figuras imposibles.

Interpretación: La tabla izquierda muestra el Paraíso (Adán y Eva). La central es el Jardín de las Delicias: un mundo de placeres sensuales, frutas gigantes, pájaros imposibles y figuras desnudas en fuentes. La derecha es el Infierno: un mundo de castigos musicales (una persona metida dentro de un laúd), monstruos, oscuridad.

¿Qué significa? Nadie lo sabe con certeza. Parece una advertencia sobre los peligros del placer excesivo. Pero también una celebración de la imaginación. Es un precursor del surrealismo (Dalí adoraba esta obra). Si te gusta Dalí, aquí está su raíz. Visita nuestra guía de Pintores famosos para entender la conexión.

Dos de los cuadros más famosos y escandalosos de la historia del arte. Representan a la misma mujer (¿la duquesa de Alba? ¿Pepita Tudó? no se sabe) en la misma pose, una vez desnuda y otra vez vestida con un precioso traje de maja (la clase popular madrileña).

¿Por qué fueron escandalosos? En la España de la Inquisición, pintar un desnudo femenino (y encima con vello púbico insinuado) era impensable. Goya lo hizo para el primer ministro Godoy, que coleccionaba Venus desnudas. Cuando Godoy cayó en desgracia, la Inquisición citó a Goya. El pintor, astuto, pintó entonces la versión vestida y las colgó juntas para justificar la desnuda: «No es un desnudo, es un estudio del mismo modelo vestido y desvestido».

Dato técnico: Están pintadas con una pincelada suelta y moderna. La maja desnuda tiene los pezones rosados, un detalle de realismo nunca visto.

Goya pintó este cuadro para conmemorar la resistencia española contra la invasión francesa de Napoleón (2 de mayo de 1808, sublevación; 3 de mayo, fusilamientos). Pero no es un cuadro patriótico triunfalista: es una denuncia universal de la barbarie de la guerra.

Composición: A la izquierda, los fusilados: un hombre con camisa blanca iluminado por un farol (la luz de la verdad, de la inocencia). Sus brazos extendidos imitan a Cristo crucificado. A la derecha, los fusileros franceses: un pelotón anónimo, sus rostros no se ven, son máquinas de matar. En el centro/fondo, más personas esperando su turno, tapándose los ojos.

Genialidad absoluta: La luz del farol es artificial y crea un claroscuro brutal. La pincelada es rápida, gestual, moderna. El cuadro influyó directamente en el Guernica de Picasso (compáralos: ambos son denuncias, ambos en blanco, negro y grises).

El Greco (griego de origen, cretense, formado en Venecia y Roma, afincado en Toledo) fue un pintor único: alargaba las figuras, usaba colores muy vivos y fríos (verdes, azules, grises plateados) y conseguía una espiritualidad mística inigualable.

Este retrato: Es el mejor retrato español del siglo XVI. Un caballero desconocido (se ha especulado que sea Cervantes, pero no hay pruebas) jura sobre su espada. La mirada es penetrante, directa. El fondo oscuro y los colores fríos crean una atmósfera introspectiva. La mano en el pecho simboliza el juramento de honor.

Curiosidad: No se sabe quién es. Pero no importa. Es el retrato de una época, de un ideal de caballero español: sobrio, honrado, profundo. Frente a los retratos italianos brillantes, este es oscuro y psicológico.

Este cuadro, procedente del convento dominico de San Pedro Mártir (Florencia), es una de las grandes joyas del Museo del Prado. Fra Angelico fue un fraile dominico que pintaba como acto de devoción. Su estilo mezcla el gótico internacional (dorados, elegancia) con el primer Renacimiento (perspectiva, arquitectura renacentista).

La escena: El ángel Gabriel entra en la habitación de la Virgen para anunciarle que será madre de Dios. La Virgen, sorprendida y humilde, acepta. El jardín cerrado del fondo simboliza su virginidad. Adán y Eva salen expulsados del Paraíso (arriba a la izquierda) como contraste entre el pecado original y la redención que llega con María.

Es una delicia: Los dorados, los ropajes, la arquitectura en perspectiva, la suavidad de las caras. Es una obra para la contemplación serena.

El emperador Carlos V (el dueño del imperio donde no se ponía el sol) encargó a Tiziano, el mejor pintor veneciano del siglo, este retrato ecuestre para conmemorar su victoria en la batalla de Mühlberg (1547) contra los príncipes protestantes alemanes.

Innovación radical: No es un retrato rígido de poder, como los anteriores. Carlos V aparece solo, avanzando hacia el espectador, con una lanza en la mano (la lanza de Longinos que atravesó a Cristo, símbolo sagrado). El paisaje al fondo es amplio, bañado por una luz dorada del atardecer. El caballo es poderoso pero controlado. La armadura brilla.

Genialidad: Tiziano inventa aquí el retrato ecuestre moderno. Todos los posteriores (Velázquez, Rubens, Van Dyck) copiarán este esquema. En el Prado hay otros retratos ecuestres (el de Felipe III, Felipe IV, Isabel de Francia) pero este es el original, el mejor.

Este cuadro es, junto a Las Meninas, la obra más compleja y moderna de Velázquez. Durante siglos se consideró una simple escena de taller de tapices. En el siglo XX se descubrió su verdadero significado.

Doble escena: En primer plano (más cerca del espectador), cinco mujeres (hilanderas) trabajan en un taller. En un segundo plano (al fondo, a través de un vano), vemos una escena mitológica: Atenea (diosa de la sabiduría) compite en un telar con Aracne (una mortal). Aracne teje un tapiz donde critica a los dioses; Atenea, enfadada, la transforma en araña.

¿Qué significa? Velázquez compara el trabajo manual (las hilanderas) con el arte elevado (la pintura). La rueda que gira es el conocimiento. Es una reflexión sobre el papel del artista, que trabaja con sus manos igual que estas hilanderas. La luz dorada del fondo es la luz del arte, de la verdad.

Además: El cuadro del fondo (el tapiz de Aracne) es una copia del Juicio de Paris de Rubens. Velázquez lo pinta dentro del cuadro. Es un «cuadro dentro del cuadro» (como en Las Meninas). Complejidad pura.

Este cuadro pertenece a las famosas Pinturas Negras de Goya. Al final de su vida, Goya compró una casa a las afueras de Madrid (la Quinta del Sordo) y pintó directamente sobre las paredes del salón 14 escenas aterradoras, oscuras, demoníacas. Nunca fueron para el público: eran sus demonios privados. Hoy están en el Prado (trasladadas de la pared al lienzo en 1873).

La escena: Un aquelarre (reunión de brujas). Un enorme cabrón (dios primitivo Pan, símbolo del diablo) preside la reunión. Alrededor, mujeres jóvenes y viejas, seres deformes, rostros de terror. El cabrón habla, sus fieles escuchan. La noche, la oscuridad, la irracionalidad dominan.

Significado: Goya está desengañado de la humanidad. La razón no funciona. La guerra (francesa, absolutista), la Inquisición, la locura, la vejez… todo es oscuridad. La pincelada es violenta, rápida, casi abstracta. Goya es ya un pintor moderno, 100 años antes del expresionismo abstracto.

Caravaggio revolucionó la pintura europea alrededor de 1600. Inventó el tenebrismo (fondos negrísimos, luz muy focalizada sobre las figuras) y un realismo brutal: sus santos eran gente pobre y sucia, no seres ideales.

Este David: Es el mejor Caravaggio del Prado (el único, porque la mayoría están en Italia). David sostiene la cabeza cortada de Goliat. No es un héroe idealizado: es un joven del pueblo, con melena rizada, con expresión triste (no triunfante). La cabeza de Goliat tiene la cara del propio Caravaggio (se pintó a sí mismo decapitado). La espada tiene grabado «H-AS OS» (Humilitas Occidit Superbiam = la humildad vence a la soberbia).

Tenebrismo puro: El fondo es negro total. La luz ilumina solo la cara de David, su brazo y la cabeza de Goliat. El dramatismo es máximo. Si te gusta el claroscuro, repasa nuestra sección sobre Velázquez en Pintores famosos, que aprendió mucho de Caravaggio.

Rubens fue el pintor barroco por excelencia: energía, color, movimiento, figuras rotundas, mujeres de carne (las llamadas «rubensianas»). Este cuadro representa a las tres gracias: diosas de la alegría, la belleza y la fertilidad.

Composición: Las tres ninfas bailan desnudas en círculo. Sus cuerpos son opulentos, rosados, plenos de vida. La carne brilla. La luz es dorada. Detrás, un paisaje paradisíaco. Un niño (Eros) tira de la cuerda de un arco. Es el triunfo de la vida, de la belleza física, de la alegría de existir.

Curiosidad: Rubens se pintó a sí mismo en la tabla de la izquierda (pero luego se tapó). Es un cuadro para disfrutar sin complejos: la carne es hermosa, la pintura es gloriosa.

Zurbarán fue el pintor de los monjes y monjas. Pintaba la santidad con un realismo extremo y un tenebrismo aprendido de Caravaggio. Sus santos parecen personas reales vestidas con hábitos, en cuartos oscuros, iluminadas por una luz divina.

Esta Catalina: Santa Catalina de Alejandría fue una sabia mártir (la rueda dentada es su atributo: fue condenada a morir en una rueda). Pero aquí no aparece el martirio: aparece como una joven elegante y culta, con un libro (sabiduría) y la rueda a sus pies. El fondo es negro absoluto. La luz blanca ilumina su rostro sereno y su rico vestido rosa y amarillo.

Contraste: Al lado de las pinturas negras de Goya o del tenebrismo de Caravaggio, el tenebrismo de Zurbarán es más suave, más reposado, más místico. Es una delicia para los amantes del detalle.

Este es un cuadro enorme y alargado (5 metros de ancho) para un refectorio de iglesia. Muestra el momento en que Jesús lava los pies a sus discípulos (Juan 13). Es un gesto de humildad radical.

Composición: Jesús en el centro (rojo y azul) se inclina para lavar los pies de Pedro. Los otros apóstoles están alrededor, sentados, cada uno con una reacción distinta: alguno se seca los pies (comprensión), otro mira incrédulo, otro se ajusta la ropa. El espacio es profundo, con arquitectura grandiosa al fondo.

Lo más genial: La luz. Hay dos fuentes de luz: una celestial (arriba, las antorchas, Dios) y la luz natural que entra por una ventana al fondo. El contraste entre la luz divina y la luz humana crea una atmósfera única. Es una obra que mezcla la grandeza veneciana con la intimidad religiosa.

Murillo fue el pintor de la dulzura, de la ternura religiosa. Mientras Zurbarán pintaba monjes ascéticos, Murillo pintaba vírgenes dulces y niños Jesús jugando. Este cuadro es el mejor ejemplo.

La escena: La Virgen, San José, el Niño Jesús y un corderito (símbolo de Cristo como cordero de Dios que quita los pecados del mundo). El Niño Jesús, con una carita risueña y un halo de santidad dorado, acaricia al cordero. La Virgen tiene un rostro joven y dulce, con una sonrisa leve. San José, al fondo, vigila.

El estilo: Murillo usa colores suaves (rosas, azules claros, amarillos pálidos). Las figuras son idealizadas, bellas, perfectas. No hay drama, no hay sufrimiento. Solo la alegría de la Sagrada Familia. Era el pintor favorito de la gente del pueblo. Lo sigue siendo.

Ponemos esta joya para cerrar la lista porque muestra a Velázquez antes de ser pintor de cámara, cuando pintaba escenas de la vida cotidiana en Sevilla (bodegones o pintura de género). Tenía unos 19-20 años.

La escena: Una anciana, en una cocina humilde, fríe huevos en un cacharrito de barro. Un niño espera con un melón. La luz entra por una ventana (izquierda) e ilumina la escena con un claroscuro aprendido de Caravaggio. El realismo es brutal: la claridad de la yema, el vidrio, el metal, el barro, la textura del ajo, la calabaza, el melón.

Filosofía: La vejez (anciana) esperando el tiempo (los huevos se fríen, el tiempo pasa). La fugacidad de la vida. El contraste entre la juventud (niño) y la vejez (anciana). Es un bodegón existencial. El genio ya está aquí, en este joven de 20 años.